En ny vardagseftermiddag på Manhattan satt regissören Owen Kline, 30, i en soffa i ett konferensrum med glasdörrar. Han bar en blå velourfleece som pryddes av en glänsande brosch av en dansare. Hans läsglasögon hängde runt halsen på en Croakies-liknande anordning. Han såg gaddig ut och, mot förmodan, väldigt cool, vilket i sin tur fick honom att känna sig väldigt, specifikt New York.
Hans föräldrar är skådespelarna Kevin Kline och Phoebe Cates. Hans syster är indiemusikstjärnan Frankie Cosmos. När han var tonåring spelade han lillebror i The Squid and the Whale. Hans första långfilm, Funny Pages, som produceras av bröderna Safdie och A24, har premiär den 26 augusti.
Filmen, som spelades in på 16 millimeter film, är en aggressivt kaxig komedi om Robert, en blivande tecknare som lämnar förorten för att följa sina drömmar - och även för att bo i ett pannrum i en källare med konstiga gamla män. (Ett av mina favoritfilmsögonblick under året är när en av dessa män säger: "Dennis, det onda hotet, med sin slangbella. " ) Det är en av de filmer man bara behöver se en gång för att aldrig glömma. " Hur obehagligt allt detta är, från början till slut, utan att egentligen vara roligt ", lyder Deadline ' s representativa recension. Och sedan, några meningar senare: " Jag är säker på att den kommer att bli en kultförklarad favorit. "
Kline är ung och har en unik synvinkel och självförtroende nog att prova konstiga saker. "Komedi är så där", säger han. "Om man knyter den till verkligheten kan man hitta ursäkter för alla dessa saker som är orimliga begrepp. "
Intervjun har redigerats för att göra den tydligare och längre.
Owen Kline: För tio år sedan började jag leka med de här karaktärerna. Ursprungligen hade jag skrivit en serieversion som hette "Robert in the Boiler Room". "Att bara ta reda på vem den här killen är - som skulle vilja gå ner dit och bli upphetsad av det här - var utgångspunkten. Jag skrev det första utkastet till manus under 2014, 2015, och sedan var det åratal av försök att få intresse och ingen läste det. Sedan läste Josh Safdie det.
Hur fick du kontakt med honom från början?
Jag hade känt Josh sedan jag var omkring 15 år, när han tog examen från Boston University. Bröderna Safdies kortfilmer gjorde ett stort intryck. När han flyttade tillbaka till New York höll jag i mikrofonen för ett par av deras projekt och jag spelade med i en kortfilm som hette John ' s Gone, tillsammans med Benny [Safdie]. Jag gick in i arbetet med manuskriptet tillsammans med dem, och hittade verkligen en ton och en känslighet. De hjälpte mig verkligen att få fram en karaktärsstudie.
Så småningom kom vi till inspelningsplatsen och det första vi filmade var det där med källaren. Det kändes som om vi började där jag hade börjat med serietidningen, och det satte tonen för resten av filmen. Vi hade så roligt att vi sprutar glycerin över alla dessa barn och gamla män. Sean Price Williams, kamerachefen, sa hela tiden mer svett, mer svett, vi måste spraya mer svett! Vi lekte med rökmaskiner för att skapa en viss dimma. Vi ville att det skulle kännas som ett ångbad. Ett ångbad för äldre personer.
Har du alltid velat fotografera på 16 millimeter?
Det var alltid avsikten. Som ung tonåring gjorde jag The Squid and the Whale - den spelades in på 16 millimeter, och det var en mycket personlig film som spelade med personliga material, även om den inte var direkt självbiografisk.
Jag har alltid velat regissera, jag har aldrig velat spela skådespelare. Men Noah Baumbach ville verkligen att jag skulle spela den här killen, och jag tänkte att jag skulle älska att göra det här och bara vara på en liten filminspelning. Överenskommelsen var att jag skulle få skugga filmfotografen Bob Yeoman och lära mig hur man utformar en scen och hur man iscensätter och blockerar. I den filmen användes bara handhållna kameror. Det är mycket piskpannor och billig independentfilmkomedi-grammatik. Att bara se var de tog ett beslut, hur de var medvetna med kameran samtidigt som de lät den löpa fritt - det var inspirerande.
Så du har funderat på att fotografera på 16 millimeter i flera år?
I gymnasiet var jag ganska fokuserad på 16 millimeter. Jag samlade på gamla tecknade filmer som jag hittade på loppmarknader och körde dem i en gammal projektor som skolbiblioteket gav mig eftersom de inte hade någon användning för den. Jag hittade saker i källaren på Anthology Film Archives - jag praktiserade där i gymnasiet och hjälpte arkivarien Andrew Lambert lite grann. Han är en vän till mig. Jag hjälpte till att katalogisera en stor del av Harry Smith-samlingen, vilket var mycket spännande, men en stor del av deras bevarande gällde Kuchar Brothers-grejerna och alla dessa personliga filmer som spelades in på 16 millimeter. Åtminstone i mitten av århundradet var det i princip reserverat för billig porr och oberoende produktioner, och rika människor filmade sina hemfilmer på det. Så 16 millimeter som en form i sig fanns liksom alltid i mitt huvud.
Hur känner du nu för hur du använde 16 millimeter i Funny Pages?
Det ger så mycket till just den här filmen. Jag ville att filmen skulle vara mer dyster och grå, och gick verkligen lite emot vår tids neonestetiska känslighet. Gör saker och ting äckliga och fluorescerande. Men när vi väl hade börjat filma och fått fram rushes och lekt med de här mycket färgstarka Kodak-ämnena, så gick vi mot de mättade Looney Tunes-färgerna.
Vi var ganska sparsamma. Du kan hitta ett sätt att filma om det är viktigt för dig. Man måste göra andra uppoffringar. Och det fokuserar dig på ett sätt: Man måste veta vad som är viktigt. Jag var tvungen att göra en storyboard för en hel del saker, vilket var en inlärningskurva. Men tack och lov var jag i gymnasiet fast besluten att förstå animation. Jag upptäckte Frank Tashlins tecknade filmer. Han var en animatör från Looney Tunes och Warner Bros. som ville bli filmskapare och studioregissör, men som var fångad som tecknare, så han provspelade för varje tecknad film. Hur många skämt kunde han stoppa in? Hur många vilda vinklar kunde han ha? Det finns så mycket filmskapande i hans tecknade filmer - klippningar, pisksvängningar, vinklar, att komma under Daffys näbb på något konstigt sätt. Näbb? Bill? Bill! Han är en anka!
Du nämnde att du ville reagera mot den samtida estetiken. Genom att välja att fotografera på 16 millimeter, känner du att du positionerar dig mot din generations kultur mer generellt?
Jag bor under en sten. Jag känner inte ens till dessa saker. Jag ser inte trailers. Jag lever med en massa gamla tidningar och katter och döda kroppar - döda katter - skelett - kattskelett. Jag är ganska fokuserad på gamla saker. Den här filmen skapades i en hermetisk förslutning. Det är karaktärer som är bortkopplade från kulturen, och förorten bidrog till det, och källaren bidrog till det. Det var ett fokus på denna vakuumförseglade känslighet.
En stor del av rapporteringen om filmen har antytt att det är en förtäckt självbiografi, ungefär som i The Squid and the Whale, särskilt på det sätt som huvudpersonen kämpar mot sina privilegier. Är det en korrekt tolkning?
Filmen är definitivt självkritisk. På sätt och vis är det jag som gör mig själv till åtlöje när jag var 16 eller 17 år. En del av tyget och miljöerna i filmen känner jag till riktigt bra. Jag är säker på att delar av huvudpersonen reflekterar över mig. Jag var inte riktigt lika arg. Men det är vad man vill - de hemska besluten skapar dramatiken i berättelsen. Och jag hoppade inte av gymnasiet. Men jag ville det.
Var gick du i gymnasiet?
Till gymnasiet? Jag gick till [extremt lång paus] Jag gick till. Jag har varit på gymnasiet. Rock 'n' roll-gymnasiet.
