Als einer der einflussreichsten Science-Fiction-Texte aller Zeiten hat Frank Herberts Roman Dune aus dem Jahr 1965 einige der kultigsten Science-Fiction-Filme aller Zeiten inspiriert, darunter auch den ganz gro\u00dfen Wurf: Star Wars. Aber die Versuche, Dune selbst zu verfilmen, sind nicht immer nach Plan verlaufen. (Siehe: Jodorowsky ' s Dune, ein Dokumentarfilm \u00fcber den vergeblichen Versuch des Regisseurs Alejandro Jodorowsky, Herberts Text zu adaptieren). Die Version von David Lynch aus dem Jahr 1984 hat zwar Kultstatus erlangt, wurde aber bei ihrer Ver\u00f6ffentlichung weitgehend als Desaster angesehen. Aber Denis Villeneuve ist eine andere Art von Filmemacher, wie man in Enemy, Arrival und Blade Runner 2049 gesehen hat. Mit seiner romanhaften Herangehensweise an das Filmemachen hat er Erfolg, wo andere gescheitert sind, und verwandelt allzu komplexe Geschichten in leicht verdauliche und gelungene Science-Fiction-Perlen. All das trifft auf seine Verfilmung von Dune zu, einem epischen Film, der ebenso klug wie atemberaubend ist - und der noch mehr zu bieten hat.\n<\/p>\n
Wie schon in seinem 2016 f\u00fcr den Oscar nominierten Film Jackie hat Regisseur Pablo Larra\u00edn mit Spencer ein weiteres intimes Portr\u00e4t einer ikonischen Frau geschaffen, die jeder kennt, aber nur wenige zu verstehen scheinen. Kristen Stewart ist in der Rolle der Spencer wie verwandelt, da sie versucht, den Spagat zwischen dem, was von ihr erwartet wird (als Ehefrau von Prinz Charles und Mitglied der k\u00f6niglichen Familie) und der Aufrechterhaltung ihrer Handlungsf\u00e4higkeit zu meistern - w\u00e4hrend sie genau wei\u00df, dass Charles eine Aff\u00e4re hat ... und ihr sogar die gleiche Perlenkette gekauft hat, die er seiner M\u00e4tresse gekauft hat. Obwohl sich der Film Freiheiten bei der Darstellung der Wahrheit nimmt, scheint die allgemeine Stimmung, dass Diana sich von der Institution, in die sie eingeheiratet hat, gefangen und \u00fcberfordert f\u00fchlt, mit dem \u00fcbereinzustimmen, was wir \u00fcber ihre pers\u00f6nlichen K\u00e4mpfe wissen. Der Film spielt im Jahr 1991, ein Jahr vor der offiziellen Trennung von Diana und Charles - und sechs Jahre vor ihrem vorzeitigen Tod.\n<\/p>\n
Oscar Isaac gl\u00e4nzt (kein Wunder) als William Tell, ein Milit\u00e4rveteran mit einer schwierigen Vergangenheit, die er so gut wie m\u00f6glich vergessen will, indem er in die Welt des Gl\u00fccksspiels eintaucht und durch das Land reist, um an Blackjack- und Pokerturnieren teilzunehmen. Unterwegs lernt er einen jungen Mann namens Cirk (Tye Sheridan) kennen und freundet sich mit ihm an, der William um Hilfe bittet, um sich an einem Milit\u00e4roberst (Willem Dafoe) zu r\u00e4chen. Als Cirk William mehr \u00fcber seine Lebensumst\u00e4nde und seine Pl\u00e4ne erz\u00e4hlt, kann William nicht anders, als zu denken, dass seine Beziehung zu Cirk eine Chance auf Erl\u00f6sung sein k\u00f6nnte. Der Film wurde von Paul Schrader geschrieben und inszeniert und spielt weitgehend nach dem gleichen Drehbuch von S\u00fcnde und Erl\u00f6sung, mit dem schon viele von Schraders Protagonisten konfrontiert wurden. Der Kartenz\u00e4hler ist jedoch eines der wenigen Male, in denen eine Schrader-Figur wirklich an Erl\u00f6sung interessiert zu sein scheint.\n<\/p>\n
Das Wichtigste zuerst: Ja, Drive My Car ist drei Stunden lang - aber glauben Sie uns das. Der Film, der von Ryusuke Hamaguchi geschrieben und inszeniert wurde, erz\u00e4hlt die Geschichte von Yusuke Kafuku, einem verwitweten Theaterregisseur (Hidetoshi Nishijima), der zwei Jahre nach dem Tod seiner Frau einen zweimonatigen Aufenthalt in Hiroshima annimmt, um dort ein St\u00fcck zu inszenieren. Jeden Tag wird er eine Stunde zum und vom Theater gefahren, und er beginnt langsam eine Freundschaft mit der jungen Frau, die ihm als Fahrerin zur Seite gestellt wird (Toko Miura), aufzubauen, der er seine Probleme mit den Schauspielern und der Crew sowie den Verrat seiner Frau anvertraut, der ihn immer noch verfolgt. Letztlich ist Drive My Car ein Roadmovie - nur eines, das sich nicht scheut, die landschaftlich reizvollere Route zu nehmen. Er ist noch nicht online verf\u00fcgbar.\n<\/p>\n
Rebecca Hall (Godzilla vs. Kong) gibt ihr Regiedeb\u00fct mit dieser Verfilmung des 1929 erschienenen Romans der Harlem-Renaissance-Autorin Nella Larsen \u00fcber die beiden Jugendfreundinnen Reeny (Tessa Thompson) und Clare (Ruth Negga), die sich aus den Augen verlieren, sich aber als Erwachsene wiederfinden. Reeny, die mit einem Arzt (Andr\u00e9 Holland) verheiratet ist, lebt mit ihrer Familie in einem vornehmen Haus in Harlem. Clares Ehemann hingegen ist ein Gesch\u00e4ftsmann (Alexander Skarsg\u00e5rd) - und ein Rassist, der aufgrund ihrer hellen Hautfarbe nicht wei\u00df, dass seine Frau schwarz ist. Der Film ist wundersch\u00f6n erdacht, gro\u00dfartig gespielt und gibt ein kraftvolles Statement zum Thema Rasse ab, das auch heute noch nachwirkt.\n<\/p>\n
Dev Patel gibt uns mit dem Autor und Regisseur David Lowery (Miss Juneteenth) eine neue Art von Artuslegende. Patel spielt Sir Gawain, den widerspenstigen Neffen von K\u00f6nig Artus, der \u00fcber sich hinausw\u00e4chst, als er sein Leben riskiert, indem er sich freiwillig auf eine Reise begibt, um dem Gr\u00fcnen Ritter gegen\u00fcberzutreten. Es ist eine gef\u00e4hrliche Aufgabe, aber der privilegierte Gawain ist entschlossen, sich als furchtloser K\u00e4mpfer zu etablieren. Lowery h\u00e4lt sich zwar (haupts\u00e4chlich) an das Drehbuch der Artus-Sage, scheut sich aber nicht, ein wenig Leichtsinn einzusetzen und die Trope des \"wiederkehrenden Helden\" auf den Kopf zu stellen.\n<\/p>\n
Die Oscar-Nominierte Maggie Gyllenhaal ist eine weitere Schauspielerin, die 2021 mit The Lost Daughter, einer Adaption des Romans von Elena Ferrante, den Gyllenhaal auch geschrieben hat, ein beeindruckendes Regiedeb\u00fct gab. Ein Gro\u00dfteil der Brillanz des Films liegt in dem konstanten Gef\u00fchl der Unruhe, wenn Leda (Olivia Colman), eine Literaturprofessorin, die in Griechenland Urlaub macht, sich mit Nina (Dakota Johnson) anfreundet, einer jungen Mutter, die zugibt, dass sie sich manchmal mit der Elternschaft \u00fcberfordert f\u00fchlt. Ohne zu viel von ihrer Vergangenheit preiszugeben, sagt Leda Nina, dass sie sie versteht. Doch obwohl die Frauen in Griechenland am Strand sitzen, hat man st\u00e4ndig das Gef\u00fchl, dass die Mauern n\u00e4her kommen und jeden Moment etwas Schreckliches passieren k\u00f6nnte. Der Film ist ein Beweis daf\u00fcr, dass Gyllenhaal es versteht, sich in die K\u00f6pfe der Zuschauer hineinzuversetzen - und dort zu bleiben.\n<\/p>\n
Paul Thomas Anderson hat vielleicht die vielseitigste Filmografie aller heute t\u00e4tigen Regisseure. Seit er vor einem Vierteljahrhundert mit Hard Eight (1996) auf der Bildfl\u00e4che erschien, hat er Filme \u00fcber die Vor- und Nachteile des Pornogesch\u00e4fts (Boogie Nights), die Dualit\u00e4t des Lebens, die oft zwischen der Verhei\u00dfung der Kindheit und der Realit\u00e4t des Erwachsenseins liegt (Magnolia) einen grausamen Goldsucher, dem Geld wichtiger ist als alles andere (There Will Be Blood); einen Sektenf\u00fchrer (The Master); und einen Haute-Couture-Designer mit gutem Geschmack f\u00fcr Socken, der es genie\u00dft, von seiner Frau an den Rand des Todes getrieben zu werden (Phantom Thread). \n<\/p>\n
W\u00e4hrend es eine wunderbare Unvorhersehbarkeit in seinem Werk gibt und welches Thema ihn als n\u00e4chstes interessieren wird, kann man bei jedem Anderson-Film in der Regel auf zwei Dinge wetten: (1) Er wird \u00fcber zwei Stunden lang sein, und (2) er wird auf der Liste der besten Filme des Jahres der meisten Leute landen. In vielerlei Hinsicht ist Licorice Pizza eine R\u00fcckkehr zu Andersons Wurzeln, denn es ist eine kalifornische, sonnengetr\u00e4nkte Ode an die Kindheit und die erste Liebe, als er in den 1970er Jahren im San Fernando Valley aufwuchs. (Die Besetzung von Cooper Hoffman, dem Sohn des verstorbenen Philip Seymour Hoffman, war ein r\u00fchrender Geniestreich.\n<\/p>\n
Nach einer 12-j\u00e4hrigen Abwesenheit hinter der Kamera kehrte Jane Campion f\u00fcr The Power of the Dog mit aller Macht zur\u00fcck. Benedict Cumberbatch ist zweifellos der Favorit, wenn es darum geht, den B\u00f6sewicht Phil Burbank zu spielen, einen wohlhabenden Rancher, der sich mit seinen Cowboy-Kollegen gerne die H\u00e4nde schmutzig macht, selbst wenn das bedeutet, eine Kuh zu kastrieren. Er ist eine bedrohliche Figur, die in krassem Gegensatz zu seinem Bruder George (Jesse Plemons) steht, der sich im Gefolge seines Bruders oft f\u00fcr Phil zu entschuldigen scheint. Als George die Arbeiterwitwe Rose (Kirsten Dunst) heiratet und sie zu sich nach Hause holt, scheint es Phil ein Vergn\u00fcgen zu sein, sie bei jeder Gelegenheit zu qu\u00e4len. Doch als ihr Sohn Peter (Kodi Smit-McPhee) kommt, um den Sommer bei ihnen zu verbringen, scheint Phil den jungen Mann langsam unter seine Fittiche zu nehmen. Es ist unm\u00f6glich, den Film in einer Weise zusammenzufassen, die sowohl pr\u00e4gnant als auch vollst\u00e4ndig ist, wenn man seine vielschichtigen Handlungsstr\u00e4nge bedenkt, aber es gen\u00fcgt zu sagen, dass es trotz aller bedrohlichen Eigenschaften von Phil eine andere - verborgene, aber viel verletzlichere - Seite seiner Geschichte gibt.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"
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